Élina Roux : quand une thérapie par les mots devient une chanson qui transmet

“ Je reçois beaucoup de messages qui me disent : « Cela m'a énormément parlé », ou « Cette histoire, c'est ce que je suis en train de vivre maintenant. C'est fou, les mots que tu mets dessus. Merci. » Ce genre de choses, pour moi, cela a un sens énorme. ”

— Élina Roux (auteure-compositrice-interprète, thérapeute)

Rencontre avec Élina Roux · Chanteuse, auteure-compositrice-interprète — Thérapeute

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Une âme sensible qui a mis des années à oser distribuer ses mots

De Genève à Londres : les rencontres, les risques et les choix qui façonnent une carrière artistique

Introduction

As-tu déjà écrit une chanson sans jamais oser la chanter toi-même ? As-tu déjà eu besoin de mettre des mots sur ce que tu ressens, avant même de penser à un public ? Élina Roux, autrice-compositrice-interprète suisse et thérapeute, a longtemps vécu l'écriture de chansons comme une thérapie par les mots, strictement intime. Puis elle a fait le choix de la transmettre, et cette chanson qui soigne l'a menée jusqu'au studio d'enregistrement à Londres d'un arrangeur et musicien qui a travaillé George Michael, David Bowie et Tina Turner.

Dans cet article, tu découvres son parcours complet : de ses premières chansons composées pour ses Barbie jusqu'à l'enregistrement de son quatrième EP à Londres, en passant par une chanson sur l'emprise relationnelle et une autre sur le don d'organe, retenue par Swisstransplant pour son symposium à Berne.

Je suis Aude, artiste auteure-compositrice-interprète, auteure de Libérez vos chansons. J'accompagne celles et ceux qui souhaitent créer des chansons fortes, sensibles et incarnées — et retrouver une posture d'artiste alignée avec qui ils et elles sont vraiment.

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Des chansons pour ses Barbie : une créativité ancrée depuis l'enfance

Rien, dans l'histoire familiale d'Élina, ne laissait présager une vocation musicale : aucun proche, avant elle, n'avait emprunté ce chemin. Et pourtant, l'écriture est arrivée tôt, presque comme une évidence. Ses toutes premières chansons, elle les a composées pour ses Barbie, vers sept ou huit ans, avec des rimes encore maladroites, « amour » et « toujours », mais déjà des mélodies qu'elle chantonne encore aujourd'hui. Une chanson pour son premier amoureux à sept ans, une autre pour le deuxième à huit ans, une troisième pour le troisième à neuf ans : chaque étape de son enfance a son texte, sa mélodie, encore présents dans sa mémoire.

En parallèle, elle intègre un conservatoire dès huit ou neuf ans, y apprend la flûte traversière et joue plusieurs années au sein d'un orchestre. Cela lui donne une oreille et une culture musicale solides, sans qu'aucun enseignement ne lui transmette directement l'art de composer : elle l'invente seule, depuis toujours.

À l'adolescence, ce réflexe change de fonction. Elle en a besoin pour autre chose : poser des mots sur des émotions. Elle se décrit comme quelqu'un de sensible, sans être forcément émotive, et l'écriture devient le lieu où cette sensibilité trouve enfin une forme.

Dix heures pour un texte : le soin apporté aux mots

Il y a une chose qu'Élina ne bâcle jamais : le choix des mots. Un texte lui prend facilement une dizaine d'heures, quand une mélodie, elle, se trouve désormais bien plus vite. Ce temps long, elle le considère comme nécessaire : c'est celui qu'il lui faut pour bien chercher les idées, construire les phrases, trouver les mots justes.

Au tout début, avant même d'oser composer ses propres musiques, elle prenait des chansons existantes qu'elle aimait (elle cite Hélène Segara) et en retirait le texte original pour y poser le sien. Une manière détournée de continuer à écrire, sans encore se sentir légitime à composer.

Cette exigence sur le texte est le prolongement direct de ce que l'écriture représente pour elle depuis le début : une thérapie. « À la base, c'était pour moi toute seule. Et finalement, j'ai décidé de la distribuer », confie-t-elle. Longtemps, ses textes sont restés dans un tiroir, avant qu'une personne de son entourage lui dise qu'il était temps de les chanter elle-même plutôt que de les proposer à des interprètes déjà connu·es. Elle chantait en chorale depuis toujours, avait pris des cours de chant : il ne manquait que la décision d'oser.

Écrire depuis son propre point de vue : la communication non violente au service des chansons

Quand je lui demande si elle choisit ses mots pour leur vibration, Élina répond avec nuance. Certaines de ses chansons sont solaires, heureuses, amoureuses. D'autres sont plus sombres, portées par des émotions qu'elle, et sans doute d'autres personnes, ont besoin de faire sortir pour pouvoir les traverser. Elle n'écrit pas toujours à la première personne dans un sens autobiographique : parfois, elle se met à la place d'un personnage. Une prochaine chanson, dit-elle en souriant, raconte la mort de quelqu'un ; elle avoue être bien contente de ne pas être cette personne.

Ce qui reste constant, en revanche, c'est le point de vue. Elle parle toujours depuis elle-même, ou depuis le point de vue de la personne qui chante, jamais depuis l'accusation de l'autre. Sa formation de thérapeute nourrit directement cette manière d'écrire, proche des principes de la communication non violente, formalisée par le psychologue américain Marshall Rosenberg. Plutôt que de dire « il a fait un truc affreux, je le déteste », elle se pose une autre question : « Pourquoi est-ce que cet autre me dérange ? Qu'est-ce qu'il y a chez moi qui a besoin ? »

Elle l'exprime avec une clarté qui résume tout son travail d'écriture : « Ce n'est pas parce que l'autre ne comble pas ce besoin qu'il est un salaud. Nous avons, nous-mêmes, le pouvoir de le faire. » Ses chansons, dit-elle, sont traversées de ces besoins non exprimés, avec l'espoir, jamais garanti mais toujours présent, qu'elles aident qui les écoute à prendre conscience d'un besoin qu'il ou elle ignorait avoir.

Encart pédagogie & psychologie moderne : écrire depuis le besoin plutôt que depuis le reproche

La communication non violente distingue quatre étapes : observer un fait sans jugement, identifier le sentiment qu'il provoque, repérer le besoin sous-jacent, puis formuler une demande claire. Appliquée à l'écriture de chansons, cette grille change tout : un texte qui décrit un besoin (« j'ai besoin d'être vu·e », « j'ai besoin de sécurité ») touche plus largement qu'un texte qui accuse, parce que chaque personne qui écoute peut reconnaître ce besoin en elle, indépendamment de sa propre histoire.

« Ma carrière sentimentale » : dénoncer l'emprise pour éveiller les consciences

Le jour de notre rencontre, Élina sortait justement un single : Ma carrière sentimentale. Une chanson qu'elle chérit particulièrement, parce qu'elle y raconte tout le processus d'entrée dans une relation toxique : l'emprise. « J'ai vraiment fait la psy dans cette chanson », explique-t-elle. La personne prise dans cette dynamique trouve d'abord tout incroyable. Puis le doute s'installe : elle essaie de redevenir comme avant, parce que l'autre semble ne plus l'aimer de la même façon. Elle se remet en question, elle commence à culpabiliser.

Son intention n'est pas de raconter un après, une fois que tout est déjà compris : beaucoup de chansons existent déjà sur ce thème. La sienne se concentre sur les stades précoces de l'emprise, avec l'espoir que celles et ceux qui commencent tout juste à vivre cela puissent identifier où ils en sont, mettre des mots dessus, et réagir plus tôt.

Ce moment de l'échange a résonné avec ma propre histoire. J'évoque le harcèlement moral que j'ai moi-même vécu, y compris dans un contexte inattendu : une chorale de gospel, alors que nous nous apprêtions à offrir un concert gracieux dans le cadre de l'UNESCO. Une amie psychothérapeute m'avait alors prêté un livre qui a changé mon regard sur ce que je venais de traverser : Le Harcèlement moral, de Marie-France Hirigoyen. Si une personne qui nous écoute se reconnaît dans ce que raconte Élina, ce livre, ou sa chanson, peut être une première porte d'entrée pour comprendre que ce n'est pas de sa faute.

Une chanson pour changer le regard sur le don d'organe

Sur ce même EP à paraître en août, une autre chanson aborde un sujet rarement mis en musique : le don d'organe. Élina y raconte l'histoire de quelqu'un qui meurt et transmet la vie à travers ses organes. Son intention était claire : sortir ce sujet de l'image un peu funèbre qui lui colle souvent à la peau. « Je voulais que les gens puissent voir cela autrement », résume-t-elle.

Pour donner du relief à cette chanson au-delà du disque, elle a contacté plusieurs associations liées au don d'organe. Swisstransplant, l'association de référence en Suisse, lui a répondu la première et l'a invitée à venir dire quelques mots et chanter cette chanson lors de son prochain symposium à Berne. Ce n'est pas un concert d'une heure et demie, mais c'est exactement le sens qu'elle cherchait à donner à sa musique : non pas remplir des salles à tout prix, mais faire résonner un texte au bon endroit, auprès des bonnes personnes.

De la ballade à 90 BPM au pop dansant à 120 BPM

Élina a longtemps composé des ballades, entre 60 et 90 BPM. Mais elle adore danser, et ce format ne lui permettait pas de s'exprimer corporellement sur scène comme elle le souhaitait. Elle a donc cherché un compromis : garder ses chansons à texte, où les mots comptent réellement, tout en les habillant d'un pop anglais plus rythmé, autour de 120 BPM, un style où, habituellement, le rythme prime sur les paroles. Une manière d'unir ce qui lui tient à cœur, le texte, et ce dont son corps a besoin, le mouvement.

C'est dans ce contexte qu'elle a travaillé avec Richard Cottle, arrangeur et musicien qui a notamment collaboré avec George Michael, David Bowie, Tina Turner et Supertramp. Sur son quatrième EP, il a composé la musique de trois chansons à partir de ses textes seuls : une prise de risque assumée des deux côtés, puisqu'il ne parle pas un mot de français et qu'il devait composer une mélodie sans connaître le sens exact des mots ni leur nombre de syllabes.

Une rencontre de backstage qui a mené jusqu'à Londres

Cette collaboration ne doit rien au hasard institutionnel, tout à une rencontre humaine. Le compagnon d'Élina, Christian Imbert, musicien lui-même, a une qualité d'audace qu'elle admire profondément : « Il a un culot monstre. Lui, il s'en fiche : il essaie, cela ne marche pas, il ne le prend pas pour lui. Il essaie encore. Et puis, cela marche. »

C'est ce culot qui, un soir de concert, l'a mené à parler quelques minutes, en coulisses, à Jo Garland, choriste de George Michael et Robbie Williams, aujourd'hui choriste de Ronan Keating. Un échange de cinq minutes, un numéro de téléphone donné (ce qu'elle ne fait, dit-elle, presque jamais), puis presque un an de correspondance : lui envoyait des photos de vaches et de paysages suisses, elle répondait. Un an plus tard, elle est venue passer quatre jours en Alsace. Le mois suivant, elle atterrissait à Zurich pour venir chanter gratuitement les chœurs, et un lead, sur le premier EP d'Élina.

Cette amitié s'est prolongée. Lors d'un concert de Jo Garland à Londres, en coulisses une nouvelle fois, Christian a discuté avec un autre musicien présent : Richard Cottle. Celui-ci, en apprenant que Jo avait déjà chanté pour Élina, lui a proposé de venir dans son studio. Une invitation née d'une conversation informelle, qui allait déboucher sur l'enregistrement d'un EP entier.

Cinq jours pour composer un EP : la contrainte comme accélérateur créatif

Ce qui s'est joué à Londres est rare : Élina est arrivée avec deux chansons, paroles et mélodies terminées ainsi que trois textes, sans mélodie ni musique, pour cinq chansons à finaliser, arranger et enregistrer en cinq jours. Son compagnon doutait ouvertement que ce soit possible. Elle, de son côté, avait choisi de faire confiance : « Je fais confiance. C'est quand même un professionnel : il fait cela depuis qu'il est presque né. »

Le résultat a dépassé ses attentes. Composer, arranger et enregistrer en un temps aussi limité, dit-elle, est une expérience qu'elle ne revivra sans doute jamais telle quelle. Mais surtout, ce mode de création à plusieurs (elle qui compose habituellement seule ou avec son compagnon) a créé une émulsion inédite : « Ils sont tellement chou, ils sont tellement adorables. Il n'y a aucune prise de tête. Ils prennent soin des gens. »

Nous avons fait le lien, pendant l'échange, avec un phénomène que j'observe régulièrement : donner au cerveau une contrainte de temps claire semble déclencher un mécanisme presque automatique de mise en action. Élina le confirme : elle avait déjà vécu ce phénomène seule, mais jamais collectivement, ni à cette vitesse.

Encart neurosciences : pourquoi une contrainte de temps stimule la création

Les sciences cognitives documentent régulièrement ce constat : une échéance claire réduit la place laissée à la sur-analyse et à l'autocensure. L'attention se resserre, l'énergie mentale se concentre sur l'essentiel plutôt que sur la recherche d'une perfection illusoire, et l'état qui en résulte se rapproche de ce que la recherche en psychologie de la créativité nomme le flow : un état d'engagement total dans une tâche, où l'action devient plus fluide et plus spontanée. Ce n'est pas la pression en elle-même qui crée l'idée : c'est le cadre qu'elle installe, en donnant au cerveau une limite à l'intérieur de laquelle il n'a plus d'autre choix que d'inventer.

Ce même principe, je le vis régulièrement lors des masterclass mensuelles de Claude Lemesle, parolier de légende et président d'honneur de la SACEM : en une heure et demie d'exercice de création collective, quelque chose émerge presque à chaque fois, preuve que la contrainte, loin d'appauvrir la créativité, la canalise.

L'intelligence artificielle : un outil, jamais une âme

Élina n'est pas hostile à l'intelligence artificielle par principe. Elle raconte avoir configuré elle-même un assistant conversationnel pour qu'il challenge systématiquement ses angles morts, plutôt que de la complimenter sans arrêt : un usage d'appoint, comme un second cerveau qui réfléchit différemment, utile pour tout ce qui n'est pas sa zone de génie : la communication, l'administratif, les tâches chronophages qui ne sont pas de l'ordre de l'artistique.

Sa position change radicalement dès qu'il s'agit de création musicale elle-même. Elle observe, sur les plateformes d'écoute, des morceaux entièrement générés, sans personne pour écrire les paroles, composer la musique, réaliser l'arrangement ni même jouer un instrument. « Personne n'a fait les paroles, personne n'a fait la musique, ni l'arrangement. C'est la mort de l'art. »

Ce qui l'inquiète n'est pas la compétition : elle ne se sent pas en concurrence avec une machine. C'est la relation. Les messages qu'elle reçoit, en commentaire ou en privé, de personnes qui lui disent que ses mots les ont accompagnées dans ce qu'elles traversaient, créent un lien réel, même à distance. « On a une relation quand même, qui n'est pas une relation en présentiel, mais une relation tout de même. Et cela, une intelligence artificielle ne le fera jamais. C'est sûr et certain. »

Ce qui l'inquiète davantage, c'est la manière dont l'écoute elle-même pourrait changer : une musique sans âme derrière, écoutée sans que personne, quelque part, l'ait habitée. J'ai proposé, en écho, l'image des librairies indépendantes face à l'arrivée d'Amazon : plutôt que de disparaître, elles ont créé des événements, du lien, une présence humaine que la vitesse ne remplace pas. Avec le temps, les gens reviennent vers ce qui touche leur âme, et une machine ne peut pas produire cela. L'âme de l'être humain reconnaît, tôt ou tard, ce qui est authentique.

Le sujet dépasse la seule sensibilité personnelle : en France, la SACEM organise régulièrement des réunions sur l'encadrement de l'intelligence artificielle dans la création musicale, avec des lois à venir prochainement. En Suisse, c'est la SUISA qui joue un rôle équivalent, en lien étroit avec la SACEM : un sujet moins pressant côté suisse pour l'instant, mais qui, selon Élina, mérite d'être suivi de près.

Construire une communauté avant de viser la scène

Ayant deux autres activités professionnelles, dont celle de thérapeute, Élina n'a pas la pression financière de vivre uniquement de sa musique. L'avantage, dit-elle, c'est moins de stress ; le désavantage, c'est beaucoup moins de temps. Elle a donc dû apprendre, très concrètement, à hiérarchiser ses priorités.

Si elle s'écoutait uniquement, sa priorité resterait d'écrire des textes, composer, enregistrer, puis sortir la chanson. Mais un deuxième élément compte tout autant pour elle : l'échange. Voir ce que sa musique apporte réellement à celles et ceux qui l'écoutent. « Ma priorité, c'est la création, et les échanges avec les gens : voir ce que ma musique apporte. Parce que sinon, cela n'a aucun sens. »

La scène, elle, arrive en dernier dans son ordre de priorités, non par manque d'envie, mais par manque de temps et, au début, par manque de chansons suffisamment abouties pour tenir un vrai concert sans recourir aux reprises, une option qui ne lui plaisait pas vraiment. Depuis trois ans qu'elle prend sa musique au sérieux, elle a désormais seize chansons terminées : de quoi enfin envisager plus sérieusement les scènes, principalement en France, là où sa chanson à texte en français trouve naturellement son public.

Construire ce qu'elle préfère appeler une communauté plutôt qu'une « fanbase », un mot qu'elle apprécie peu, prend un temps considérable sur les réseaux sociaux. Mais c'est aussi ce qui lui permet de recevoir, chaque semaine, des messages de personnes qui ne l'ont jamais rencontrée en personne mais avec qui un vrai lien existe. Son site avec newsletter est tout juste né : une compilation gratuite de cinq chansons, publiée deux jours avant notre échange, contre une adresse e-mail : le tout premier pas d'une aventure encore toute fraîche.

Conclusion : oser distribuer ce qui nous soigne

Ce qui frappe le plus dans le parcours d'Élina, c'est la constance d'un même geste, répété à chaque étape : ce qui a commencé comme une thérapie strictement personnelle a fini, marche après marche, par être distribué au monde. Les Barbie sont devenues des chansons, les chansons sont devenues des textes engagés, les textes engagés sont devenus un EP enregistré à Londres, et cet EP est devenu une invitation à un symposium sur le don d'organe. Rien de tout cela n'était prévu à l'avance. Tout est venu d'une même fidélité : continuer à se laisser traverser, et oser transmettre ce que cela donne.

Et toi, quelle part de ce que tu écris ou composes as-tu déjà envisagé de distribuer, plutôt que de garder pour toi seul·e ? Je te remercie de partager ton expérience en commentaire sous ma vidéo YouTube : ton partage peut inspirer toute une communauté d'artistes créateur·rice·s de chansons !

Un article complémentaire pour poursuivre cette exploration : Nombre d'or, canon de beauté : composer une mélodie qui te ressemble. Tu y découvres comment une proportion mathématique millénaire peut nourrir la construction d'une mélodie profondément personnelle, un prolongement naturel à la question de la signature artistique évoquée par Élina tout au long de cette rencontre.

Merci d'avoir lu cet article jusqu'au bout ! J'espère de tout cœur qu'il aura donné à certain·es d'entre vous l'envie d'oser, à leur tour, distribuer ce qu'ils et elles gardent peut-être encore secrètement dans un tiroir.

Si cet article t'a inspiré·e·s, tu peux l'envoyer à un·e ami·e musicien·ne qui rêve de transformer, elle ou lui aussi, ce qui le soigne en quelque chose qui peut soigner les autres.

Chaleureusement et avec gratitude,

Aude · Auteure-compositrice-interprète — Réveilleuse d'artistes

Si tu sens que quelque chose bloque — dans ta création, dans ton élan, dans ton rapport à la scène — ou que tu n'oses plus vraiment faire entendre tes chansons, un échange peut t'aider à y voir plus clair.

Un appel découverte en visio pour faire le point et structurer la suite.

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Check-list interactive : 8 clés inspirées de la rencontre avec Élina Roux, pour écrire des chansons qui soignent et qui transmettent

1. Se laisser traverser par ses propres émotions

• Ai-je pris le temps d'écrire ce que je ressens vraiment, avant de penser à un public ?

• Ai-je déjà utilisé l'écriture comme un espace rien qu'à moi, sans intention de le partager ?

2. Écrire depuis son propre point de vue

• Mes textes partent-ils d'un besoin ou d'un reproche envers l'autre ?

• Ai-je identifié le besoin réel qui se cache derrière une émotion difficile récente ?

3. Offrir du temps aux mots

• Est-ce que je m'autorise à passer plusieurs heures sur un seul texte si nécessaire ?

• Ai-je déjà renoncé à un mot trop vite, par manque de patience plutôt que par choix ?

4. Oser distribuer ce qui était secret

Ai-je un texte, une chanson, gardé dans un tiroir depuis longtemps ?

Qu'est-ce qui, concrètement, m'empêche de le partager aujourd'hui ?

5. Donner un sens à sa musique au-delà de la scène

• Ma musique porte-t-elle un message ou une cause qui me tient à cœur ?

• Ai-je déjà envisagé de la proposer à une association ou un public en lien direct avec ce message ?

6. Faire confiance aux rencontres et au réseau

• Suis-je allé·e, récemment, vers une personne dont le travail m'inspirait vraiment ?

• Ai-je un entourage qui ose, à ma place ou avec moi, aller vers ces rencontres ?

7. Utiliser la contrainte de temps comme accélérateur créatif

• Me suis-je déjà donné une échéance courte et claire pour composer ou écrire ?

• Ai-je remarqué que cette contrainte, plutôt que de me bloquer, m'a aidé·e à avancer ?

8. Choisir consciemment sa place face à l'intelligence artificielle

• Est-ce que je sais distinguer les tâches où un assistant peut m'aider de celles où seule mon âme d'artiste doit rester ?

• Ai-je réfléchi à la relation que je souhaite construire avec les personnes qui écoutent ma musique ?